Primul nascut

Acest preludiu al baladei fără vârstă a lui

Harold Arlen și Yip Harburg, „Over the Rainbow”, nefolosită în „ Vrăjitorul din Oz ”, este cântat de Ally (Stefani Joanne Angelina Germanotta, alias Lady Gaga ) aproape de începutul piesei „A” a lui Bradley Cooper . S-a născut Steaua.” În timp ce merge pe o alee, încă îmbrăcată în uniforma ei de chelneriță, titlul filmului se materializează în litere mari și roșii, ducându-se înapoi la nuanța rubin a cuvintelor atunci când acestea însoțeau versiunea lui George Cukor din 1954 a filmului, cu Dorothy însăși, Judy . Ghirlandă. Poza lui Cooper este, de fapt, a cincea versiune de ecran a poveștii și s-ar putea să se situeze pe locul al doilea după vehiculul de neșters Garland, mulțumită în mare măsură modului în care canalizează și reinventează diferitele elemente ale capodopera lui Cukor.

Garland și Gaga aveau amândoi 32 de ani când filmele lor „Star Is Born” au primit o lansare în cinematografe în octombrie, iar actrițele au căutat fiecare să-și lanseze râvnitul rol titular – sau, în cazul lui Garland, relansarea carierei lor de vedetă de cinema majoră. Cu toate acestea, ceea ce acum reprezintă încoronarea moștenirii lui Garland a marcat în mod ironic sfârșitul carierei ei ca nume marcant la Hollywood. Tulburările de dor care îi caracterizează cele mai memorabile numere din cinema, „Over the Rainbow” și „The Man That Got Away”, oglindesc pierderea pe care a îndurat-o de-a lungul vieții. În timpul unei întrebări și răspunsuri la Festivalul Internațional de Film de la Chicago din 1967, la care a participat Roger Ebert, a remarcat Cukor, „Oamenii care nu sunt complicați în viața reală apar ca fiind destul de blanzi pe ecran. Majoritatea interpreților mari nu sunt foarte fericiți și bine adaptați. Poate că acesta este prețul pe care îl plătesc pentru că sunt originali.”

Potrivit cărții iluminatoare lansate în toamna anului trecut

A Star Is Born: Judy Garland and the Film that Got Away , în coautor de fiica lui Garland, Lorna Luft , împreună cu Jeffrey Vance, actrița s-a conectat profund la scenariu din cauza propriei relații nerezolvate cu tatăl ei, care a murit când ea era adolescentă, precum și figura paternă pe care a găsit-o în soțul ei, Sid Luft, care a produs filmul. Garland o interpretează pe Esther Blodgett, o cântăreață care nu își cunoaște puterea vedetă până când este descoperită de Norman Maine ( James Mason), un cunoscut actor de film cu o sete nestăpânită de alcool. Transformarea ei din Blodgett în personajul ei atribuit de studio ca Vicki Lester nu este deloc departe de tranziția lui Garland la celebritate, când a renunțat la numele mai puțin atrăgător al lui Francis Gumm (starul de vodevil George Jessel a glumit că suna ca „Glum ”). Așa cum povestea de dragoste care a înflorit între Lester și Maine a fost sortită tragediei din cauza dependenței, la fel a fost și căsătoria lui Garland cu Sid, care a cedat constrângerea lui pentru jocuri de noroc.

Bagajul pe care Garland l-a adus la proiect a fost numit în cartea lui Luft și Vance drept „o constituție fragilă, dependență de medicamentele prescrise, obiceiuri de întârziere și volatilitate și depresie maniacal necontrolată”. Cât de uimitor este că simptomele care au contribuit la multiplele întârzieri care au afectat filmul lui Cukor au provenit direct de la un regiment de droguri impus de șeful MGM, Louis B. Mayer. Crezând că noul său jucător contractual este prea supraponderal, Mayer i-a cerut medicilor de la studio să-i prescrie Garland Benzedrine combinată cu un fenobarbital pentru a-i suprima pofta de mâncare în timp ce-și dublează energia.

Pavat cu intenții egoiste, acest drum neregulat din cărămidă a dus direct la moartea prematură a lui Garland, la vârsta de 47 de ani, din cauza unei supradoze de barbiturice - dacă a fost sau nu întâmplător nu are rost. Cea mai notorie presupusă tentativă de sinucidere a actriței a avut loc după ce MGM și-a suspendat contractul, ca urmare a întârzierilor repetate pe care le-a provocat pentru „Summer Stock” din anii 1950, cu piesa ei iconică, „Get Happy”, care a dus la pierderea de bani a studioului. „Gâtul tăiat” senzațional de presă a fost o tăietură ușor remediată pe gât care a eliberat-o pe Garland din studioul lui Mayer, oferindu-i spațiul necesar pentru a se pregăti pentru cea mai mare lucrare a carierei ei.

Cukor a fost, desigur, cel care trebuie să fie creditat cu cea mai veche și mai puțin cunoscută iterație a „A Star Is Born”, care s-a întâmplat să fie și primul său efort regizoral semnificativ. „What Price Hollywood” din 1932 se concentrează pe chelnerița Mary Evans (Constance Bennett, Cary Grantcolegă fantomă a lui din „Topper”), o eroină foarte hotărâtă, cu un nume gata pentru Hollywood, care face o impresie deliberată pe regizorul bețiv, Max Carey (Lowell Sherman cu ochi de bufniță), în timp ce se joacă greu de obținut cu Lonny (Neil). Hamilton), bărbatul prost care o poftește. Este interesant cum scenariul nominalizat la Oscar, bazat pe o poveste a Adela Rogers St. Johns, împarte în două figura paternă și iubita întruchipată mai târziu de Norman Maine, culminând cu reîntâlnirea fericită a lui Mary cu Lonny după moartea lui Max. Nu ne propunem ca perechea să fie împreună, deoarece prima lor întâlnire a constat în ca Lonny să-i spargă ușa de sticlă, să o târască până la casa lui și să-i hrănească caviarul.

Remake-ul neoficial al lui William A

Wellman din 1937, primul care poartă titlul „A Star Is Born”, este o îmbunătățire în multe privințe, oferind schița pentru versiunea lui Cukor lansată 17 ani mai târziu. Deși Moss Hart a rescris prima jumătate a scenariului din 1937 (care a câștigat în mod ciudat Oscarul pentru Povestea originală), multe părți din actul al doilea al filmului din 1954 sunt aproape replici cuvânt cu cuvânt. Este ușor să treci cu vederea acest fapt, totuși, deoarece distribuția fără egal adunată de Cukor le revitalizează liniile cu o viață nou-găsită. Un personaj sentimental din filmul din 1937 care nu apare niciodată în versiunile ulterioare este bunica Esterei, care compară visele tinerei de vedetă cu coloniștii care au cucerit sălbăticia americană, ridicând călătoria nepoatei sale la proporții mitologice. În contrast,

Așa cum „Star Is Born” din 1954 este mai bun decât predecesorul său din 1937, candidatul lui Cooper la premiile din 2018 este o versiune superioară a remake-ului lui Frank Pierson din 1976 (ambele au fost produse de Jon Peters ), cu Barbra Streisand și Kris Kristofferson .. Aceasta a fost prima imagine care a scos povestea din Hollywood și a plasat-o în industria muzicală. Aliatul lui Gaga este la fel de mult un semn din cap pentru Esther Hoffman din Steisand, precum este pentru Blodgett/Lester din Garland. Steaua rock-ului lui Cooper, Jackson Maine, vorbește cu o voce gravă evocatoare despre rockerul tulburat al lui Kristofferson, John Norman Howard - două personaje bărbați alfa sfâșietoare ai căror ochi se ridică cu mult înainte ca omologii lor feminini să se destrame. Streisand a căutat să rupă rolurile tradiționale de gen, punând-o pe Esther să poarte costume pentru bărbați, să facă prima mișcare propunând în căsătorie și să injecteze erotism sincer, dacă forțat, în firele până atunci fără sex. „Cred că există cel mai bun din ambele lumi, amestecând vechiul și nou”, cântă Esther, justificând astfel scopul unui remake, la fel ca și îndelungatul frate al lui Jackson, Bobby ( Sam Elliott ).), când își amintește cum fratele său credea că muzica este „în esență 12 note între orice octavă. 12 note și octava se repetă. Este aceeași poveste spusă iar și iar, pentru totdeauna. Tot ceea ce poate oferi orice artist lumii este modul în care vede acele 12 note.”

Este potrivit ca Gaga să intenționeze să o interpreteze pe Fanny Brice în „ Fata amuzantă ” de pe Broadway, deoarece acesta nu numai că se întâmplă să fie rolul de film de debut al lui Streisand – cel care a făcut-o să se lege cu Katharine Hepburn .pentru Cea mai bună actriță – dar a informat foarte mult abordarea lui Streisand față de „Star Is Born”, cu povestea sa de dragoste la fel de dulce-amăruie. Ultima imagine lungă a chipului Esther în timp ce ea cântă pe scenă se termină într-un cadru înghețat care își propune să-și ardă chipul în mintea spectatorului, la fel cum o face ultima fotografie a filmului lui Cooper și, de altfel, finalul „Funny Girl”. John face o încercare eșuată de a o avea pe Esther să i se alăture pe scenă, liniștindu-i nervii cu promisiunea „Trust me”, dar în versiunea lui Cooper, Ally trece până la capăt, permițând că duetul ei cu Jackson să fie momentul în care se îndrăgostesc.

Așa cum au făcut Streisand și Pierson, Cooper se înconjoară în imagine cu figuri reale din industrie și colaboratori apropiați. În timpul unei conversații cu Oliver Platt după premiera filmului la Chicago, Cooper a spus că a fost inspirat de replica lui Elia Kazan : „Nu fac audiții la actori, îi duc la o plimbare prin bloc”. Concentrarea sa pe regie i-a permis să ofere cea mai intuitivă performanță de până acum, în timp ce colaborarea sa cu Derek Cianfrance la „ The Place Beyond the Pines ” l-a inspirat să folosească capturi lungi captivante, ținând camera pe scenă în timpul secvențelor de concert.

Când vine vorba de talentul real

de a face stele afișat de eroine în numeroasele versiuni „Star Is Born”, gradul de îndemânare a acestora variază în mod evident. Vedem puține din abilitățile lui Mary în „What Price Hollywood”, în afară de interpretarea ei în fața camerei din „Parlez-moi d'amour”, un precursor mai discret al lui Ally care își face intrarea mare cu „La Vie En Rose”. Cu toate acestea, pentru audiția ei inițială, Mary lucrează neobosit să-și găsească treaba scrisă în scenariu, repetând până noaptea. Tot ceea ce obținem în filmul din 1937 Wellman sunt câteva impresii de celebritate oferite de chelnerița Esther ( Janet Gaynor ), care nu sunt văzute de Norman (Frederic March) la petrecerea în care se presupune că este descoperită. Cele mai puternice vârfuri emoționale ale remake-ului lui Cukor sunt prescurtate aici, servind drept model lipsit de imaginea completă.

În timp ce Garland cânta melodii preînregistrate, conform tradiției studioului, Streisand a insistat să cânte live, o tehnică împărtășită de Gaga și Cooper. Ceea ce torpilează impactul dramatic al filmului din 1976 este propriul ego al lui Streisand, care înlătură orice urmă a vulnerabilității Estheri, lăsând-o fără un arc tangibil – ea este în esență o vedetă de la început. Dezbrăcându-se fizic și emoțional de personajul ei de vedetă pop, Gaga reușește să facă publicul să simtă un sentiment de descoperire atunci când Ally intră în lumina reflectoarelor. În multe privințe, această performanță este împlinirea imnului propriu al lui Gaga de împuternicire personală, „Born This Way”.

Încă de la început, „A Star Is Born” a purtat ecouri ale lui Garland, ca și cum ar prefigura eventualul ei film care le-ar fi depășit pe toate. Cukor și-a dorit să o regizeze pe Garland de când a văzut-o cântând „Happy Birthday” lui Ethel Barrymore acasă la el, așa cum Cooper a avut ideea să o interpreteze pe Gaga când a asistat la interpretarea ei din „La Vie En Rose” la un eveniment caritabil. Scena de deschidere a filmului „What Price Hollywood” al lui Cukor, în care Mary flirtează cu o poză cu Clark Gable , este oglindită de cea de-a doua apariție a lui Garland în filmul „Broadway Melody of 1938”, unde cântă „You Made Me Love You” pentru ei. instantaneu al lui Gable (încorporat mai sus).

Clara Blandick , care a primit nemurirea cinematografică în rolul lui Auntie Em în „Vrăjitorul din Oz”, o joacă pe mătușa dezaprobatoare a Esther-ului lui Gaynor în „Star Is Born” a lui Wellman, descurajându-și nepoata de la visele ei technicolor din Tinseltown (și când ea în sfârșit ajunge acolo, culorile apar la fel ca în Oz). La trei ani după ce a îmbrăcat cozile lui Dorothy, Garland a jucat într-o producție non-muzicală a Lux Radio Theatre „Star Is Born”, alături de Walter Pidgeon , iar două decenii mai târziu, o va invita pe Streisand ca invitată la emisiunea ei de televiziune. Când „Star Is Born” din 1976 a fost lansat inițial de James Taylor și Carly Simon , s-a numit „Rainbow Road”, un titlu care face ecou preludiul menționat mai sus la „Over the Rainbow”.

Ceea ce face ca această poveste să fie una atât de valoroasă pentru fiecare generație sau cam asa ceva este explorarea ei atemporală a unei afaceri dezumanizante menite să exploateze talentul, să permită dependențe și să le elimine pe cele care îi pot pune în pericol profiturile. Privite la un loc, aceste cinci filme servesc drept capsule ale timpului „veșnic verzi”, pentru a împrumuta numele melodiei lui Streisand, câștigătoare de Oscar, pe care o cântă cu măiestrie într-o singură imagine neîntreruptă în timp ce cochetează cu Kristofferson (Gaga va câștiga probabil același Oscar pentru „Shallow”). . Chiar și în 1932, ideea unui regizor să întâlnească o femeie și să dorească să o pună în poze este respinsă ca „aceeași poveste veche”. Alegerea inteligentă a lui Wellman de a-și completa filmul cu pagini din scenariu accentuează natura prestabilită a piesei.

Legarea tuturor acestor versiuni este o singură linie de dialog care servește drept rămas bun de la tânăra sa descoperire. În „What Price Hollywood”, este rostit o singură dată, când Max o strigă pe Mary, doar pentru a-i răspunde: „Voiam doar să te aud vorbind din nou, asta e tot”. În remake-urile ulterioare, linia a devenit o cerere pentru Norman să mai arunce „o privire” la Esther. Acest schimb are loc mai devreme în film, astfel încât livrarea lui spre final va avea mai multă putere emoțională. În filmul din 1976, cântecul „With One More Look at You”, scris în colaborare cu Paul Williams , aduce un omagiu acestei versuri, împletindu-l cu melodia semnătură a lui John, „Watch Closely Now”.

În ceea ce

privește secvența de sinucidere care urmează de obicei această linie, este tratată mai mult sau mai puțin identic în versiunile din 1937 și 1954, cu Norman mergând în ocean, deși filmul lui Cukor îl face cu atât mai înfricoșător prin însoțirea morții sale cu interpretarea duioasă a lui Garland. „Este o lume nouă.” La numai doi ani de la lansarea în cinematografe „Singin’ in the Rain”, moartea auto-provocată a lui Mason oferă un contrast puternic cu stropirea rebelă a lui Gene Kelly prin bălți, exprimând refuzul său de a lăsa condițiile în schimbare – atât în ​​vreme, cât și în film. industrie — atenuează-i spiritul. În cazul „Star Is Born”, valurile schimbării nu pot fi combătute de eroul nostru, el poate fi doar înghițit de ele (Mason face referire și la filmul Kelly susținând că este „potrivit ca o lăutără și gata de dragoste”).

Cu toate acestea, sinuciderea lui Max din „What Price Hollywood” (încorporat mai sus) este și mai memorabilă, precedând împușcătura fatală cu imagini ale vieții bărbatului fulgerându-i în fața ochilor, o înflorire vizuală strălucitoare pentru 1932. După ce Kristofferson conduce imprudent în uitare în timp ce ascultă soției sale la radio, Streisand are cea mai emoționantă scenă a ei, când își întâlnește corpul fără viață, agățându-se de el ca și cum ar fi încă în viață. Cadavrul lui Cooper agățat abia se zărește prin fereastra garajului său, iar soarta lui este prefigurată cu aceeași subtilitate după prima sa reprezentație în film, când imagini cu lațuri apar pe un panou publicitar în afara ferestrei limuzinei sale.

Conducerea bărbatului până la moarte nu este doar dependența lui, ci și forțele din industria lui și din societatea larg care nu reușesc să-l trateze ca pe o ființă umană. În 1932, cel mai înfricoșător antagonist este publicul însuși, care o atacă pe Mary după nunta ei, smulgându-i hainele cu zelul zombilor răpitori. Nu e de mirare că Esther și Norman au optat pentru o ceremonie privată în versiunile din 1937 și 1954, spre marea supărare a lui Libby, un agent de presă care devine principalul răufăcător al poveștii. Are totul de câștigat din moartea lui Norman, considerând-o pe Esther drept „cea mai tare proprietate” a studioului care trebuie protejată cu orice preț. Tratamentul lui disprețuitor față de Norman este o încercare flagrantă de a-l conduce pe bărbatul rănit peste margine.

În aceste două filme

scena ruperii voalului a fost mutată la înmormântarea lui Norman, intensificând brutalitatea încălcării mafiei. Remake-ul din 1976 îl împarte pe răufăcător în două, apărând ca un asistent ( Gary Busey ) care îi băga droguri în nările lui Kristofferson și un DJ ticălos (MG Kelly), care provoacă lupte cu rockerul, doar pentru a-l lăuda odată ce viața lui a expirat. Filmul lui Cooper oferă propria sa întorsătură asupra arhetipului Libby cu managerul lui Ally, Rez ( Rafi Gavron), un ticălos de nesuferit responsabil de deteriorarea finală a lui Jackson, convinzându-l pe dependentul rupt că nu are viitor cu soția sa. Mult mai amuzant este editorialistul de bârfă pre-Hedda Hopper din „What Price Hollywood” însărcinat să pună întrebări vesel invazive lui Mary și Lonny. Când ea îi cere o fotografie cu fizicul lui sculptat, el îi oferă apendicele într-un borcan înainte de a ieși cu furtună din cameră („S-a dus să-l ia?” ​​întreabă ea).

Versiunea lui Cukor din „A Star is Born” se dovedește încă imposibil de egalat, în primul rând din cauza însăși Garland, a cărei performanță este una dintre cele mai bune care s-au dedicat vreodată celuloidului. În timp ce remake-urile din 1976 și 2018 culminează cu un număr muzical cathartic, acest film nu oferă o astfel de lansare, făcând sentimentul de pierdere cu atât mai palpabil. Pe lângă refrenul ei din „It’s a New World”, cântat în afara camerei, ultima melodie a lui Vicki Lester din film are loc în vârful actului final: „Lose That Long Face” de Harold Arlen și Ira Gershwin. Este un număr exuberant de plin de spirit, cu Garland cântând într-o coafură asemănătoare cu cea a fiicei ei, Liza Minnelli, în anii următori. Când regizorul strigă tăiat, Lester se retrage în trailerul ei de machiaj și oferă un monolog arzător, fără egal cu nicio secvență din fiecare altă iterație a poveștii.

Încă îmbrăcată în machiaj de teatru, personajul lui Lester se dizolvă complet în timp ce ea vorbește sincer cu șeful de studio Oliver (Charles Bickford). „Nu știi cum este să vezi pe cineva pe care-l iubești pur și simplu că se prăbușește, puțin câte puțin, zi de zi, în fața ochilor tăi și stai acolo neajutorat”, strigă Lester, reluând sentimentele nenumăraților admiratori ai lui Garland. „Dragostea nu este suficientă pentru el. Și mi-e frică de ceea ce începe să se întâmple în mine pentru că... uneori îl urăsc. Urăsc promisiunile lui de a se opri și apoi urmărirea și așteptarea să înceapă din nou. Urăsc să merg acasă la el noaptea și să-i ascult minciunile. Inima imi vine cu el pentru ca incearca - incearca. Dar îl urăsc pentru că a eșuat. Și pe mine mă urăsc. Mă urăsc pentru că și eu am eșuat. Eu am. Nu știu ce se va întâmpla cu noi, Oliver.

Lăsându-și sufletul gol, Garland articulează situația unui îngrijitor șiun dependent cu o agonie atât de crudă încât transcende forma de artă a actoriei și se înregistrează la un nivel care este inevitabil real. „Moss Hart a înțeles când a scris secvența aceea că mama era atât Norman Maine, cât și Vicki Lester, că va vorbi despre propriile eșecuri și dependența de droguri”, scrie Luft în cartea sa. „Mama făcea un film despre dependență, dar personajele erau inversate.” Ștergându-și lacrimile, Lester iese grăbit pe ușă, își lovește marcajul și termină versurile finale din „Lose That Long Face”, păstrând în același timp o expresie radiantă. Întreaga viață a lui Garland este încapsulată în această secvență – zilele nesfârșite în care aplaudă străinii în timp ce adăpostește durerea privată – și rămâne una dintre cele mai puternice secvențe de cinema concepute vreodată.

De asemenea

reflectă modul în care Cooper a încercat să „captureze faima sonic” în filmul său, trecând de la zgomot la nimic și înapoi. O altă poveste din producția povestită de Luft a avut loc în timpul filmărilor despre prăbușirea zdrobitoare a lui Lester. „Chiar m-ai speriat al naibii”, a exclamat Cukor, la care Garland a glumit: „Oh, asta nu-i nimic. Vino la mine acasa. O fac în fiecare după-amiază, dar o fac o singură dată acasă.” Acest schimb a fost ulterior încorporat în excelenta adaptare pentru televiziune a lui Roger Allan Ackerman din 2001 a memoriului lui Luft, Me and My Shadows , cu Judy Davis în rol principal.într-o performanță uluitoare demnă de însăși Garland. Cea mai bună secvență reînnoiește concertul ei la Carnegie Hall, un eveniment la care Ackerman a fost prezent, unde uvertura se alătură în mod potrivit „The Man That Got Away” cu „Over the Rainbow”.

Istoria de la Hollywood în ceea ce privește premiile ar face în mod natural ca „A Star Is Born” al lui Cukor să pară un joc de încercare pentru o matură completă la Premiile Academiei. La urma urmei, distincția proprie a organizației a fost întotdeauna prezentată în mod proeminent în complot, chiar și pe vremea când era numită „medalia Academiei” în „What Price Hollywood”. Wellman știa cu siguranță câte ceva despre Oscar, având în vedere că filmul său din 1927 „Wings” a fost primul care a câștigat cel mai bun film, în timp ce Gaynor a fost primul interpret care a fost desemnat pentru cea mai bună actriță. Dacă Garland ar fi câștigat premiul pentru „Star Is Born”, acesta ar fi servit drept validare supremă din partea unei industrii pentru care a sacrificat atât de mult. La urma urmei, după cum notează câștigătorul pentru cel mai bun actor din film, câștigarea unui Oscar „este o recompensă amplă pentru o întreagă carieră”.

Este una dintre marile ironii ale vieții lui Garland că ea ar putea deține un Oscar de mărime adultă – spre deosebire de miniatura juvenilă pe care i-a fost prezentată pentru „Vrăjitorul din Oz” – numai după ce Academia ia împrumutat unul lui Cukor, așa cum se detaliază în creditele de deschidere. Deși filmul „A Star Is Born” din 1954 a câștigat șase nominalizări la Oscar, nu a fost găsit nicăieri în mai multe categorii critice, și anume cel mai bun film, cel mai bun regizor și cel mai bun scenariu. Garland nu numai că a pierdut în fața lui Grace Kelly pentru „The Country Girl” (care a jucat și rolul soției unui actor alcoolic), dar „The Man That Got Away” a pierdut la categoria „Cel mai bun cântec original” în fața „Three Coins in a Fountain”. melodia uitată Steve Martineste ridiculizat pentru că a cântat în „Avioane, trenuri și automobile”. Faptul „Star Is Born” a lăsat ceremonia Oscarului din 1955 cu mâna goală înregistrată ca o palmă pe față pentru Garland și, spre deosebire de cea administrată accidental de Norman Maine, nu a fost deloc întors.

Răspunsul încântător pe care filmul l-a câștigat la premiera sa zgomotoasă din Los Angeles a fost un miraj de proporții „ La La Land ”. A promis ceea ce în cele din urmă nu a putut fi livrat, o revenire majoră alimentată de gloria sezonului de premii. În ciuda aprecierilor câștigate de versiunea de 181 de minute a filmului a lui Cukor, Harry Warner a insistat ca imaginea să fie tăiată cu o jumătate de oră, argumentând că este prea lungă - la urma urmei, a fost cel mai scump film filmat de la Hollywood, dar relansarea „ Gone With the Wind” încă mai scotea bani mari la box office. Fără consultarea lui Cukor, Warner a redus fără sens imaginea la 154 de minute, făcând povestea incoerentă în timp ce a eliminat multe dintre cele mai bune scene, cum ar fi sesiunea de înregistrare pentru „Here’s What I'm Here For” urmată de cererea în căsătorie a lui Norman și cel mai criminal dintre toate, numărul „Lose That Long Face”.

Deoarece Warner nu s-a obosit să păstreze o singură imprimare a tăieturii originale, restaurarea lui Ronald Haver din 1983 a fost forțată să juxtapună fotografii de film cu sunetul supraviețuitor pentru a recrea cele 20 de minute de filmare care s-au pierdut definitiv. Deși aceste secvențe sunt inițial șocante, ele îmbunătățesc narațiunea nemăsurat, oferind în același timp noi straturi de profunzime relației dintre Esther și Norman. Partea amuzantă în care o femeie îl atacă pe Norman după ce acesta refuză să pozeze pentru o poză evoca un moment similar din „ Regele comediei ” a lui Scorsese , când unul dintre fanii nemulțumiți ai lui Jerry Lewis strigă: „Sper să faci cancer! ” Garland nu a trăit niciodată pentru a vedea această versiune îmbunătățită, care a murit în 1969, iar Cukor a murit cu doar două zile înainte de proiecția programată a restaurării.

Dacă filmul lui Cooper dovedește ceva, este că povestea „A Star Is Born” va merita veșnic „încă o privire”, deși nici un remake de succes nu poate exista fără să fie măcar oarecum îndatorat versiunii lui Cukor. Gaga este o alegere ideală pentru a merge pe urmele lui Garland, în parte pentru că ambele femei sunt simboluri ale comunității LGBT. Revolta de la Stonewall, care a avut loc la o zi după înmormântarea lui Garland din New York, probabil că l-a inspirat pe Gilbert Baker să aleagă curcubeul prețuit al lui Dorothy drept simbolul definitoriu al drapelului său gay pride. Puțini cântăreți au abordat vreodată dificultatea de a-și trăi visele cu la fel de multă rezonanță ca Garland, o temă care continuă să se conecteze cu oricine îi este rușine să fie alături de persoana iubită.

Convingerea lui Garland de a cânta

„The Man That Got Away” cu pasiune de operă l-a determinat pe aranjorul vocal Hugh Martin să iasă din platou, dar ea a fost pe deplin corectă în alegerea ei, știind foarte bine că acest număr prefigura emoția turbulentă pe care o va oferi mai târziu fără muzică. în trailerul de machiaj. Cântecele din imaginea lui Cooper conduc narațiunea la fel de mult ca și în versiunea lui Cukor, „La Vie En Rose” având aceeași funcție ca „The Man That Got Away”, uimind Maine (și publicul) cu talentul uimitor al cântărețului. . Când Cooper o întâlnește pentru prima dată pe Gaga în culise și se oferă să o ajute să-și scoată sprâncenele false, momentul este un omagiu adus poate celei mai semnificative scene din filmul din 1954.

Conștiința de sine a lui Ally cu privire la dimensiunea nasului ei ne amintește de examinarea umilitoare în studio suferită de Lester, care este informat că „nasul ei este problema”. După ce a fost angajată de MGM, i-au fost introduse discuri de cauciuc în nasul lui Garland pentru ca acesta să fie remodelat, astfel încât să poată fi considerată pregătită pentru cameră. Arta continuă să imite viața în filmul Cukor, când Maine îl găsește pe Lester post-machiaj, machiat și îmbrăcat cu o perucă blondă ridicolă. El insistă ca ea să îndepărteze orice urmă de artificiu din trăsăturile ei înainte de a se uita la reflectarea ei în oglindă. Acesta este cel mai grozav dar pe care Maine i-l dăruiește – conștientizarea că frumusețea ei strălucește numai atunci când este fidelă cu sine. Pentru a parafraza cea mai populară melodie a lui Gaga din filmul din 2018, ea este departe de a fi superficială acum.

Lester continuă să cucerească publicul în primul ei rol major pe ecran, reprezentat de amestecul „Born in a Trunk”, o secvență de spectacol similară cu „Broadway Melody” din „Singin’ in the Rain”, dar mult mai legată de narațiune centrală. Le oferă lui Lester și Garland oportunitatea de a împleti aspecte ale propriilor povești de fundal în arta lor, demonstrând că, cu cât munca cuiva este mai personală, cu atât mai mult este obligată să se conecteze cu ceilalți. Gaga crede că Ally nu devine cu adevărat o vedetă decât în ​​ultimul cadru al filmului, după ce își revendică identitatea încetând să-și vopsească părul castaniu în roșu (managerul ei a sugerat inițial „platină”). Ar fi devenit Garland vreodată o vedetă dacă Cukor ar fi încurajat-o pe platoul „Vrăjitorul din Oz” să elimine peruca blondă pe care i s-a ordonat să o poarte în timpul testelor ecranului? De ce să te deranjezi să modifici ceea ce era deja sublim? Bebelus,

Cartea lui Lorna Luft și Jeffrey Vance, A Star Is Born: Judy Garland and the Film that Got Away , este disponibilă pentru cumpărare de pe Amazon, la fel ca ediția Blu-ray a filmului restaurat „ A Star Is Born ” de George Cukor.

„Vrăjitorul din Oz” revine pe marele ecran prin amabilitatea Fathom Events duminică, 27 ianuarie; marți, 29 ianuarie; și miercuri, 30 ianuarie, în onoarea celei de-a 80-a aniversări.