Annette

regizorul francez Leos Caraxa fost întrebat odată dacă numele lui era „real” sau „presupus”. El a răspuns: „Este un nume adevărat presupus”. Aceasta nu a fost o înțelepciune. De când și-a făcut debutul regizoral la 24 de ani, s-a jucat cu realul și cu presupusul, cu adevărul și cu minciuna. În multe cazuri, el nu face nicio distincție între aceste așa-zise contrarii. Teatrul și actoria ar putea fi văzute ca o „minciună” – au de-a face cu lumi inventate, cu oameni care se prefac a fi alți oameni – dar teatrul este și locul în care poate fi spus adevărul. Poate e singurul loc. Adevarul nu este frumos. Adevărul doare. Adevărul este uneori prost și nedrept. Viața reală respinge adesea acest lucru. Teatrul o acceptă. La fel și Carax. „Annette”, al șaselea său lungmetraj, este o explorare îndrăzneață a acestor idei. Cel mai evident, este o operă rock fără rușine. Singurul dialog susținut vine de la un bărbat care face un act de stand-up pe o scenă. „Annette” este o experiență emoționantă și exuberantă.

Cu o partitură gigantică a duo-ului pop american Sparks (frații Ron și Russell Mael ), „Annette” nu este doar un musical, este și o melodramă cu săpun care încorporează elemente ale supranaturalului (o temă comună în filmele lui Carax). „Annette” este plină de energie întunecată și uneori autodistructivă, unde emoțiile sunt abia de gestionat și pot fi exprimate doar prin cântec. Aceasta este pretenția care de multe ori nu este abordată în mod corespunzător în musicalul modern al filmului. Se simte artificial să începi să cânți în mijlocul unei scene. Acesta este artificial. Carax, însă, se simte confortabil în fluiditatea „realului” și „asumat”. Nu-i face griji pentru ceea ce este sau nu este artificial. Această sensibilitate a fost transmisă distribuției sale talentate, care acceptă cu toții îngâmfarea musicalului și nu au nicio problemă să-și îndeplinească cerințele.

Adam Driver îl interpretează pe Henry McHenry, un celebru comedian de stand-up cu un cult. „Actul” lui seamănă mai mult cu o piesă de artă de performanță, clocotită de ostilitate, furie și tendințe antisociale. Șoferul, îmbrăcat într-un halat de baie cu glugă, se plimbă, uneori biciuind microfonul pe cablu, în timp ce publicul cântă la unison. Ocazional, patru cântăreți de rezervă apar în fundal, oferind acompaniament muzical și uneori acționând ca un cor grecesc, privind îngroziți la ceea ce se desfășoară. Actul lui Henry poate să-i amintească pe Andrew Dice Clay în unele privințe, dar amintește și (în structură, dacă nu în simț) de ceea ce Steve Martinse descurca în perioada de glorie a anilor 1970. Martin a creat un personaj – costumul alb, banjo-ul, săgeata prin cap – iar personajul era ceea ce oamenii au venit să vadă. Dacă personajul lui Henry de pe scenă este sau nu reprezentativ pentru adevăratul său sine este una dintre tensiunile din „Annette”. El a întrebat „De ce ai devenit comedian?” El răspunde: „Pentru a dezarma oamenii. Este singurul mod pe care îl cunosc să spun adevărul”.

Henry s-a îndrăgostit de o celebră soprană pe nume Ann Defrasnoux ( Marion Cotillard), cunoscută pentru arii ei spectaculoase din scena morții. Presa tabloidă a înnebunit din cauza acestui „It Couple” nepotrivit, iar filmul este punctat de pauze în stil „Entertainment Tonight”, unde relația este discutată obsesiv. După unul dintre concertele lui Ann, Henry se apropie de ușa scenei cu motocicleta lui, iar cei doi urlă în noapte, plecând spre casă prin întuneric. Tema lor de dragoste, repetată obsesiv, are titlul super-evident „Ne iubim atât de mult”, pe care îl cântă prin diferite scene, separat și împreună, plimbându-se pe câmp mână în mână, sau făcând sex pasional (felicitari ambilor actori pentru realizarea acestei funcții). Dar nimic atât de pur, atât de frumos, nu poate dura. Actul de comedie al lui Henry se desfășoară pe baza detestării lui însuși și a publicului său, iar acea disprețuire de sine vine dintr-un loc real. Cum ar putea cineva la fel de frumos ca Ann să-l iubească? Este gelos pe unul dintre foștii lui Ann (Simon Helberg ), un dirijor care îi aranjează toată muzica. Între timp, Ann are halucinații că Henry este doborât de o situație asemănătoare #MeToo (cu fiecare „acuzatoare” cântând versiunea ei a evenimentelor la televizor). Ea crede că-l cunoaște. Putem cunoaște vreodată cu adevărat o altă persoană?

Henry nu este „anulat” din cauza acuzațiilor de la femei. Într-un act spectaculos de autodistrugere, Henry își dă foc propriei cariere. Se anulează singur. Pe măsură ce steaua lui scade, steaua lui Ann se ridică. Presa tabloidă fierbe în jurul lor, salivând la epavă. Există elemente din „A Star is Born” sau „ New York, New York ”, două filme muzicale în care oamenii creativi se luptă să-și mențină echilibrul atunci când un partener are mai puțin succes decât celălalt. În mijlocul tuturor acestor tulburări, Henry și Ann au un copil. Cu cât se vorbește mai puțin despre asta, cu atât mai bine.

Carax a făcut doar o mână de filme în 37 de ani. A început puternic, cu „Boy Meets Girl” în 1984, cu Mireille Perrier și Denis Levant (cu care avea să lucreze din nou și din nou). În 1986 a apărut capodopera „Mauvais Sang”, regizată la vârsta uimitor de tânără de 26 de ani. „Mauvais Sang” i-a jucat în rolurile principale pe Juliette Binoche și Levant, din nou, și rămâne una dintre marile realizări din cinema. Poate că Carax avea 26 de ani, dar era deja pe deplin format ca artist. Al treilea film al său, „Lovers on the Bridge” a durat trei ani pentru a fi finalizat și a fost o bombă atât de scumpă – precum „ Ishtar ” din Franța – că au trecut aproape zece ani până când Carax să facă un alt film. (Flop scump sau nu, "Lovers on the Bridge"Pola X ," cu Catherine Deneuve , cu o partitură a cântărețului și compozitorului avangardist Scott Walker . (Muzica a jucat întotdeauna un rol vital în filmele lui Carax și în multe dintre cele mai faimoase secvențe ale sale, cum ar fi în "Mauvais Sang", unde Levant, încântat de prima sa senzație de dragoste, aleargă și se plimbă pe o stradă întunecată în acompaniamentul piesei „Modern Love” a lui David Bowie, o scenă pe care Noah Baumbach a ridicat-o pentru „ Frances Ha ”. În 2012, a apărut „ Holy Motors ” .," cu Levant din nou în rolurile principale, ca un bărbat care călătorește pe străzile Parisului într-o limuzină albă, transformându-se fizic pentru diferite "întâlniri". "Holy Motors" este cel mai sincer teatral al lui Carax: este despre actul de creație, despre actoria în sine. Filmul începe cu o imagine a unui public așezat într-un teatru întunecat, așteptând în tăcere să înceapă spectacolul.

În „Annette”, Carax recunoaște artificialitatea de la început. Filmul se deschide cu muzicieni și cântăreți care se adună într-un studio de înregistrări, în timp ce tehnicienii modifică pârghiile în cabină. Trupa începe să interpreteze numărul de deschidere, „So May We Start”, iar în cele din urmă, numărul își rupe propriile cusături când trupa, cântăreții, tehnicienii, toți, se ridică și părăsesc studioul, cântând în continuare în timp ce trec prin ele. străzile, adunând oameni în urma lor, sunetul devenind din ce în ce mai mare. (Acest lucru ne amintește de acordeonul „entracte” din „Holy Motors”). „So May We Start” se comportă ca unul dintre acele discursuri shakespeariane de deschidere sau de încheiere, în care un personaj se adresează direct publicului despre ceea ce urmează să vadă sau, la sfârșit, cere aplauze (cum ar fi „Dă-mi mâinile tale,” de Puck,Visul nopții de vară .) „So May We Start” stabilește termenii principiilor de funcționare a lui „Annette”. Este artificial, dar nu mai puțin real din cauza ei. Același lucru este valabil și când vine vorba de utilizarea uimitoare de către Carax a retroproiecției (în special într-o scenă). Este „fals”, dar există ceva în el care este mai real decât realitatea în stil documentar. Nimic nu este fals când ești în actul creației.

Nimic din toate acestea nu ar funcționa fără spectacolele îndrăznețe ale lui Adam Driver și Marion Cotillard, în special ale lui Driver. Șoferul se chinuiește și se chinuie ca un gigant gălăgios, prea mare și neîndemânatic pentru orice spațiu mic în care cineva încearcă să-l pună. Dragostea îl eliberează pe Henry, dar dragostea îl închide și ea. Este o contradicție pe care Henry nu o poate gestiona. Va trebui să-l incendieze și nu va avea pe nimeni în afară de el de vina. Există întotdeauna o serie autodistructivă în lumile fictive ale lui Carax, mai ales când vine vorba de dragoste. Dragostea este mântuitoare (ca scena de parașutism din „Mauvais Sang”), dar dragostea este și un chin. Dulceața are un postgust amar.

Scena finală a capodoperei regelui Vidor din 1928 „The Crowd” are loc într-un cinematograf, unde un public uriaș se leagănă de râs. Camera mătură peste mulțime, din ce în ce mai repede, trăgând din ce în ce mai mult înapoi, până când mulțimea devine abstractă, iar râsul aproape grotesc din privirea lui Dumnezeu. Carax a mai încorporat acea scenă în filmele sale și apare și aici. Este un simbol puternic pentru Carax și o încapsulare perfectă a interesului său față de tensiunile dintre public și artist, dintre artist și lume, despre nevoia umanității de evadare și cât de imperfectă poate fi evadarea. Adevărul este uneori insuportabil. Tot ce poți face este să râzi.

Într-un interviu din 2012 cu Indiewire, a gândit Carax, "Sper să fac într-o zi un film care să fie muzică. Îmi doream viața în muzică." Și astfel „Annette” se simte ca un punct culminant, se simte inevitabil. Aici și-a dorit Carax să meargă tot timpul.